Bemalt. Ansonsten unbenutzt. Größe: ca. 20 x 15 cm.
Mit Prägedruck rechts unten: “Kokett”
Für Selbstabholer.

Hochwertiger Zellstoff, max. 1 Jahr alt (Abb. mit Mouseklick vergrößern)

Der Entführungsfall um die LuFo-Fahnen, der Aachen seit Freitag Morgen in Atem hält, spitzt sich nun doch dramatisch zu. Noch am Freitag Abend sah es so aus, als könnten die Forderungen der RAF (Redesign Aachen Fraktion) schnell erfüllt und die Übergabe der beiden Geiseln, zwei LuFo-Fahnen zur aktuellen Ausstellung “Nie wieder störungsfrei!”, schnell über die Bühne gehen. Die erste Geisel wurde am Freitag Abend zur vereinbarten Zeit von der RAF an die Museumsleiterin Fr. Dr. Brigitte Franzen ausgehändigt, nachdem diese der ersten Forderung – HotDogs für einen Euro im Foyer – ohne zu zögern entsprochen hatte. Unseren Informationen nach geht es dem Opfer den Umständen entsprechend gut. Nach ausgiebiger psychologischer Betreuung wird es seine Dienste wohl bald wieder aufnehmen können.

Die Übergabe der zweiten Geisel hängt nun von der Erfüllung der weiteren Bedingungen ab. Die Forderungen sind: Ein Bällebad in der Mulde des Ludwig-Forum, und jeden Mittwoch Köttbullar.

Folgende Entwarnung folgte auf die erschütternden Nachrichten von der Geiselnahme der vergangenen Nacht:

Die Geiseln sind noch am Leben – 21.10.2011

Um unseren guten Willen für einen glimpflichen Ausgang der Geiselnahme
zu demonstrieren, hier ein Beweisfoto dafür, dass die Geiseln noch am
Leben sind.

gez. Redesign Fraktion Aachen

Die Leiterin des Ludwig Forum, Frau Dr. Brigitte Franzen, hat auf die Geiselnahme sehr schnell und überlegt reagiert. Wir erlauben uns in diesem Zusammenhang ihre Antwort auf den Erpresserbrief an dieser Stelle zu veröffentlichen:

Wie wir soeben erfahren haben, wurde in der vergangenen Nacht eine dramatische Geiselnahme in Aachen verübt. Eine Gruppe kaltblütiger Aktivisten hat sich, unter dem Namen “Redesign Aachen Fraktion”, in der unten stehenden Mail offiziell zu der Tat bekannt und uns die Beweisfotos zukommen lassen.

WIR HABEN DIE LUFO-FAHNEN!

IKEA Heerlen klaut dem Ludwig Forum für internationale Kunst Besucher!
WIR haben IKEA die Fahnen geklaut!
Zwecks Besucherumleitung hängen die IKEA Fahnen seit dieser Nacht am
Ludwig Forum.

Unsere Forderungen:
HOTDOGS FÜR 1€ IM FOYER!
BÄLLEBAD IN DER MULDE!
JEDEN MITTWOCH KÖTTBULLAR!

Solange diese erfüllt werden, geschieht den Geiseln nichts!!!

gez: RedesignAachenFraktion

Von Künstlern kuratierte Projekträume gehören seit Jahren nicht nur in Aachen zu den spannendsten und einflussreichsten Laboren für zeitgenössische Kunst. Den Anspruch hochkarätige Kunst nicht nur Insidern zu zeigen, die diese Orte sowieso als wichtige Anlaufpunkte auf dem Schirm haben, sondern sie zufälligen Passanten vors Auge zu stellen, ist das ganz Besondere an diesen im besten Sinne öffentlichen Kunstorten.

Mehrwert e.V. eröffnet mit der Ausstellung MW135, Julio Ernesto Herrera Flores, das nächste Set in der Interfood-Vitrine. Nach längerer Sommerpause wird der offenste öffentliche Kunstraum Aachens wieder aktiv. Seit Jahren bespielt Mehrwert diesen kleinen feinen Raum an der Jülicherstrasse. „Kunst im öffentlichen Raum“ ist zwar ein Begriff, der eigentlich die Sache trifft, aber von Mehrwert e.V. ungern gehört wird, ob der vielen City- Marketing verwandten Kunstaktionen, die sich in den letzten Jahren etablieren.

S.Schwartz

Sammlung Rittenhouse / Teil 1 ist der Titel der Ausstellung, mit der roonroom später am Abend eröffnet. Zu sehen sind historische und aktuelle Fotoarbeiten aus der privaten Sammlung Rittenhouse. Einen Teil der Ausstellung bildet ein Konvolut von dokumentarische Fotografien aus den USA der 1970er Jahre. Zeitgleich zur Ausstellungseröffnung von „Nie wieder störungsfrei – Aachen Avantgarde seit 1964“ im Ludwig Forum bieten Mehrwert e.V. und roonroom einen Blick auf Kunstpositionen, die aktuell Aachen zu sehen sind.

Freitag 21.10.2011
19:00 Uhr Mehrwert e.V. – Jülicherstraße 22
21:30 Uhr Roonroom – Roonstraße 1

Was auf den ersten Blick anmutet wie ein Ausschnitt von Mutters guter Bluse nach einem Ölwechsel, ist die Abbildung eines Gemäldes von Vera Hilgers. Das sind beste Vorraussetzungen für nachhaltig nachdenklich machende Bilder. Der bis zu zweijährige Entstehungsprozess lässt die Bilder nicht wie “gemacht” erscheinen, sondern wie in einem Naturprozess gewachsen. Wie von einer Flutwelle heran gespült oder aus einer Gesteinsformation herausgelöst. Kunst als Naturprodukt ohne Öko-Folklore. Tipp!

Galerie Freitag 18.30
6.5. – 28.5.2011
Vernissage: 6.5.2011, 18.30 Uhr
Einführung: Dr. Dirk Tölke

Eine hübsche Korrespondenz entspann sich an einem der in den letzten Jahren inflationären Notrufe (Siehe: “Aachens Künstler leiden Not”, 2002) des ehemelaigen LuFo-Direktors Prof. Dr. Wolfgang Becker. Dieser schrieb mir (und 250 namentlich als cc-ersichtlichen Teilnehmern) diese Rundmail:

Die Heißen Quellen Aachens leiden Not!

In diesen Tagen entsteht ein etwa 50 m² großes Graffiti an der Mefferdatisstraße hinter dem Parkhaus Büchel. Das Wandbild von MTK – Multi-Task-Kingz ( Fetzo alias Bernard Neuhann, Hook alias Christopher Wöltjen und Super alias Peer Schliepenkoetter) zu Ehren der Quelle “Großer Monarch”, die zu seinen Füßen unter einem Kanaldeckel schlummert, ist der erste künstlerische Eingriff in den öffentlichen Raum Aachens, der die Aufgabe hat, auf den demütigenden Zustand der Jahrtausende alten Bodendenkmäler hinzuweisen. Es ist Teil eines Wasserprojektes, das ich für die Stadt Aachen entworfen habe und das die Kathy Beys Stiftung in diesen Tagen als Website www.wasserkunst.ac veröffentlichen wird. Darin heißt es „Künstler an die Querllen“ , und in der Webseite werden Vorschläge von Künstlern vorgestellt, die jene Quellen feiern, die die Römer und Kaiser Karl veranlasst haben, Aachen entstehen zu lassen.

Die Arbeitsgruppe Thermalwasserroute der Bürgerstiftung Lebensraum Aachen hat sich bereitgefunden, das Graffiti zu beauftragen, die nötigen Genehmigungen einzuholen und zu finanzieren. Dafür danke ich den Beteiligten herzlich.

Wolfgang Becker

Eine Brieffreundin antwortete mir auf meine Weiterleitung (Hallo,

Grüße,
Gabor)

folgendes schönes:

Hallo Gabor,

schön, mal wieder von Dir zu hören. Ja, ich habe als Quellnymphe auch die seltene Ehre, auf Beckers Mail-List zu stehen. Wobei ich nicht aufhören kann, mich darüber zu wundern, wie unser Becker von Saulus zum Paulus mutiert ist seit seiner Pensionierung. Der ist seinerzeit noch viel zynischer mit den Aachener Künstlern umgesprungen als ich.

Nun lässt er also im Auftrag dieser eigenartigen “Katy Beiss-Stiftung” heissen Quelldampf ab. Nee, ist das cool: der “Freud’sche Vertipper” Künstler an die Querllen“. Klar, da ist ein “L” zuviel statt eines “E” eingesetzt. Fetzo, Hook und Super werden es ihm sicher nicht verzeihen. Und, oh Pathos: “der demütigende Zustand der Bodendenkmäler”. Man hört förmlich in der Aachener Kanalisation den gedemütigten Nöck und seine frustrierten Nereiden trübsinnig vor sich hin zischen. Und dann lupft “der große Monarch” seinen Kanaldeckel und speit den Aachener Ignoranten Pech und Schwefel ins tumbe Antlitz! Welch’ künstlerisch bedeutsamer Eingriff am lebenden Objekt! Das alles in bester Böcklin-Manier an die Wand gesprüht und schon zieht der erste große Wurf seine Kreise im Tümpel der wasserkunst-dot-ac. Da sprudelt des wackeren Rentners Sendungsbewusstsein!

Genug gelästert!

Ich wünsch’ Dir ein quellwarmes Weekend

Das Ludwig Forum genehmigt sich zu seinem 20-jährigen Jubiläum, mit einer Hommage an den Fotorealismus und verwandter Stilrichtungen, die größte Ausstellung seit der Eröffnung im Jahre 1991

It‘s big… it‘s real… it‘s HYPERREAL! Bescheidenheit gehörte in den späten 60-ern nicht unbedingt zum engeren Tugendkanon der Fotorealisten. Immerhin galt es, realer als die Realität zu sein. Dazu durften die Formate ruhig etwas größer ausfallen. Unter 2 x 2 Meter tat es Chuck Close selten, Frantz Gertsch peilte gerne schon mal die 5 Meter Grenze an und Paul Sarkisian schafft mit seinem überwältigend detailreichen Gartenschuppen locker die 8-Meter-Marke. Spektakulär waren aber nicht nur die Formate. Unbestrittener Publikumsrenner war und ist der bis zum Exzess betriebene Realismus der Darstellung. Der arglose Museumsbesucher stellt sich bis heute noch gerne die verblüffte Frage: „Das kann doch nicht gemalt sein?!“ Paul Sarkisians monumentale Darstellung eines Gartenschuppens z.B., ist ein beeindruckendes Beispiel für die vollständige Überwältigung des Betrachterauges durch einen Overkill aus täuschend echt dargestellten Details. Angesichts der zahllosen Kannen, Lappen und Gerätschaften mag  man sich kaum vorstellen, wie ein Menschenleben ausreichen soll, all diese Dinge malerisch festzuhalten. Sarkasian konstatiert denn auch süffisant: „Es ist kein Gemälde mehr, es ist Realität.“

In der Absicht, den Subjektivismus des abstrakten Expressionismus zu überwinden, nehmen die Fotorealisten Warhols Wunsch: „Ich will eine Maschine sein“ wörtlich und beschließen, wie Fotoapparate sein zu wollen. Die visuelle Überwältigung durch die echter als echt wirkende Suggestionskraft der Bilder brachte scheinbar wieder eine ungebrochene Sinnlichkeit in die Kunst – und die treuherzige Annahme, es nach all der Abstraktion und den anstrengenden akademischen Konzepten der vorangegangenen Avantgarde endlich wieder mit „richtiger“, fassbarer Kunst zu tun zu haben, machte den Fotorealismus auch beim großen Publikumskreisen populär. Diese Popularität beruhte aber im Grunde auf diversen Missverständnissen.

Zwar sind die penibel gemalten Oberflächen zweifellos schillernd und schön. Gleichzeitig ist diese, im Sinne Baudrillards realer als reale, Hyperrealität aber auf erschreckende Weise substanzlos. Die bewusst beiläufig gewählten Motive denken die unpersönliche Coolness von Pop- und Minimal-Art zu Ende. Die scheinbar objektive Darstellung der Realität löst sie gleichzeitig auf. Dieser leidenschaftslose Blick auf ein, seiner Aura beraubtes Amerika, mit der unsentimentalen Verabschiedung menschlicher „Wärme“, ist im Grunde post-human. Hinter dem substanzlosen Flirren und Flimmern raffinierter Oberflächen befindet sich – nichts.

Ebenfalls ein Irrtum ist die Annahme, Kunst käme nun endlich wieder von „Können“. Franz Gertsch stellt das gereizt klar: „Die Leute kommen auf mich zu und sind beglückt, weil da jetzt vermeintlich jemand gekommen ist, der alle ihre Vorurteile bestätigt, dass nämlich Kunst doch von Können kommt. Das ist in höchstem Maße ärgerlich.“ Gertsch bevorzugt eine verblüffende Maltechnik, die eben nicht akademisch gekonnt ist, sondern, sagen wir mal, autistisch. Er entwickelt seine Bildmotive nicht ganzflächig aus der Tiefe heraus, sondern malt einzelne kleine Felder komplett fertig, „Tagesportionen“ sozusagen, und arbeitet sich so – wie bei einem Puzzle – Stück für Stück durch das Bild.

Ähnlich überlebensgroß wie die Formate des Fotorealisten, war die keine Grenzen kennende Sammelleidenschaft des Ehepaar Ludwig, das nicht eher ruhte, bis es die wichtigsten Schlüsselwerke des Fotorealismus beisammen hatte. Was hier aus den Wiener und Budapester Ludwig-Museen zusammenkommt, ist nicht nur in seiner quantitativen Uferlosigkeit ein massiver Großangriff auf das Auge des Betrachters, sondern auch in der erstklassigen Qualität der einzelnen Exponate. Begleitend zum Hyperrealismus, wie der Fotorealismus in Europa auch genannt wurde, zeigt die klug kuratierte Ausstellung zeitgleiche Arbeiten verwandter Positionen von Gerhard Richter bis zu David Hockney. Mit Arbeiten von Jeff Wall, Thomas Demand, Thomas Ruff u.a. werden die Einflüsse des Fotorealismus auf die bis heute folgenden Generationen gezeigt.

Kein Gemälde, sondern Realität - Paul Sarkasians visueller Overkill täuschend echter Details

Gabor Baksay

Antwerpen, 16. Jahrhundert: Nach dem Niedergang der Kunst- und Handelstadt Brügge war dies die neue Metropole, Boomtown und Magnet, das Hongkong seiner Zeit. Von überall her kamen Künstler, um im Auftrag kunstsinniger Machtmenschen – Kaufleute, Regenten, Kirchenmagnaten – ihre hochentwickelte Kunst zu entfalten.

Einer der vielbeschäftigtsten Künstler dieser blühenden Renaissance des Nordens war Joos van Cleve(1485-1540). Er war Vorsitzender der Antwerpener Künstlergilde und betrieb eine große, erfolgreiche Atelierwerkstatt, zugleich Ausstellung und Verkaufsraum, vor der die Kunstwelt Schlange stand. Durch ganz Europa wurden seine Werke verschickt. Bei einem Gipfeltreffen Heinrichs VIII. von England mit Franz I. von Frankreich wurde er sogar als Porträtmaler bestellt. (Franz` Porträt ist in der Aachener Ausstellung zu sehen; Heinrich war leider verhindert.)

Van Cleves Beiname „Leonardo des Nordens“ rührt von seinen Anlehnungen an Motive da Vincis her, dessen gespenstisch sanftem Stil Joos seine eigene, flämisch geprägte Handschrift hinzufügte. Zu van Cleves künstlerischen Vorfahren zählten aber auch die flämischen Primitiven (z.B. van Eyck) mit ihrer geheimnisvollen Sorgfalt, der unschuldig-edlen Strenge und ihrer beklemmenden und faszinierenden Tiefe. Große Zeitgenossen waren Dürer und Holbein, dessen genial-eleganter, an Wahnsinn grenzender, angespannter Hyperrealismus jedoch nicht van Cleves Natur war. Van Cleves Haltung ist lockerer, der Stil einladender, auch märchenhafter. Seine Beweinung Christi aus dem Frankfurter Städel Museum mit ihrer fein abgestuften, exquisit orchestrierten Farbenpracht, dem rhythmischen Reichtum bis ins Kleinste durchdachter und ausgefeilter Formen, der 3-D-Tiefenschärfe, den Blicken in die bedeutungsvolle, weit gewordene Weltlandschaft im Hintergrund ist ein Meisterwerk, das man nicht zu Ende gucken kann. Es erzählt unendlich viel.

So berühmt van Cleve war und so oft er sein Gesicht auch in seine Bilder hineinmalte (u.a. mit vielsagender Chuzpe als Hl. Reinhold, den schließlich, der Legende nach, die eigenen Handwerker erschlugen): Nach seinem Tod geriet er in Vergessenheit. Erst im 19.Jh. entdeckte man ihn wieder, und seitdem konnte er über mangelnde Aufmerksamkeit nicht klagen. Zuvor allerdings überging ihn die Historie oder vermischte ihn mit seinem krankhaft ehrgeizigen Sohn Cornelis. Dieser hatte die Überlegenheit seines Malerkollegen Anthonis Mohr nicht verkraften können und war nach einem wüsten Streit als lebendes Gemälde in einem mit Firnis übertünchen Mantel im Wahnsinn durch die Straßen gelaufen. Es sind filmreife Geschichten aus einer sehr faszinierenden Zeit, die die Ausstellungsmacher bei unserem Gespräch zu erzählen wissen.

Auch damals musste man schon leben, und so stellte Joos mit seinen Schülern und Gesellen die beliebtesten Bildmotive in Serie her, manche ohne Auftrag gleich auf Vorrat, und dennoch von hoher Qualität. So die extravagante Serie selbstmörderischer Lucretias – dem rätselhaften Zeitgeist gefiel diese nackte Frau, die nach ihrer Vergewaltigung so „tugendhaft“ war, sich zu erdolchen. Auch der von Dürer übernommene Hieronymus mit dem Totenschädel war begehrt, wie auch die Anbetung der Hl. 3 Könige, mit denen sich die Antwerpener Kaufleute identifizierten; schließlich brachten auch sie „Geschenke“ von weit her. Die „Kirschenmadonna“ aber übertrifft sie alle: Sage und schreibe 25 Variationen fertigte van Cleves Werkstatt nach dem Original des Leonardo-Schülers Giampietrino. Dazu pausten sie die Umrisse vom Original ab und übertrugen dies auf ihre Holztafeln: Copy and Paste – Urheberrechte waren damals kein Thema. Man kann sich das detektivische Herzklopfen der Aussteller vorstellen, als sie zum Beweis die Suermondt-eigene Madonna van Cleves mit einer Umrisspause des Originals verglichen. Letzteres wurde kürzlich in New York bei Sotheby`s für 2,8 Millionen US-Dollar versteigert, und gehört als Leihgabe ebenfalls zur Aachener Ausstellung.

Rund 65 Exponate zeigt die außergewöhnliche Ausstellung – Altarstücke, Porträts, Andachtsbilder. Außer den drei im Besitz des Suermondt befindlichen Werken sind es Leihgaben aus Privatsammlungen und über 30 international renommierten Museen wie Louvre, Prado, National Gallery, London und Metropolitan Museum of Art, New York. Unter ihnen Eigenartigkeiten wie Christus mit Johannes als glücklich ahnungslose, einander küssende Babys – und, in einem magischschönen Porträtraum, van Cleves 20 beste Porträts, darunter sein gesammelt blickendes Selbstbildnis. Es ist eine Zeitreise von eindringlicher Magie. Man sieht sich zurück in eine völlig andere Art, zu sein und die Welt wahrzunehmen, jenseits allzu gewohnter Gegenwart.

Silvia Szymanski

Es war eine rauschende Eröffnung zum 20-jährigen Jubiläum des Ludwig Forums. Es tobte geradezu ein visueller Orkan, dessen sogkraft und Opulenz den namen Hyper Real mehr als verdiente. Nun, da sich der Sturm etwas gelegt hat, sprachen wir mit Forumsdirektorin Beate Franzen und Kuratorin Anna Sophia Schulz darüber, was die Sogkraft dieser Kunstrichtung eigentlich genau ausmacht.

Was macht es für einen Sinn, ein Foto, das es ja schon gibt, noch einmal, täuschend echt, abzumalen?

Brigitte Franzen Zunächst einmal war es in der Zeit um 1970 herum technisch noch nicht möglich, Fotos in der Größe eines Chuck-Close- oder Franz-Gertsch-Gemäldes abzuziehen. Das monumentale Format schuf eine ganze andere Qualität als das ihm zugrunde liegende Foto. Das ist natürlich nicht der einzige Grund, sonst wäre der Fotorealismus für uns heute ja nur noch von musealem Interesse. Tatsächlich tun die meisten Fotorealisten etwas grundlegend anderes, als einfach nur ein Foto abzumalen. Natürlich spielen sie mit dem verwirrten Staunen des Publikums: „Das sieht ja genau aus, wie ein Foto!“, verändern aber die Vorlagen an entscheidenden Stellen. Richard Estes zum Beispiel, der in seinen Schaufenstern mit den Spiegelungen der Spiegelungen der Spiegelungen arbeitet, erschafft ein komplexes Kunstgebilde, dessen Nähe zur Fotografie nur vermeintlich ist. Sein aus vielen verschiedenen Fotovorlagen zusammengesetztes Bild könnte kein Fotograf erzeugen. Der würde es nämlich nie Schaffen, alle Ebenen so scharf zu halten, wie Estes in einem seiner Gemälde. Oder gehen Sie mal näher an einen Franz Gertsch ran und sie werden sehen, wie das scheinbar penibel wiedergegebene Fotos in tausend expressive Malgesten zerspringt. Gerade in ihrer formalen Nähe zum fotografierten Bild beweisen die Fotorealisten, dass die Malerei, trotz aller technischen Fortschritte medialer Bildproduktion, keineswegs obsolet geworden ist.

Anna Sophia Schulz Es haben ja schon früher, ende des neunzehnten Jahrhunderts, viele Realisten mit Fotovorlagen gearbeitet. Entweder als Skizze oder auch teilweise als projizierte Vorlage. Die Fotorealisten waren also keineswegs die ersten, die mit Fotografie gearbeitet haben, neu war nur wie sie es getan haben.

War die Verwendung von Fotovorlagen oder gar das mechanische Projizieren seinerzeit nicht verpönt und geschah eher heimlich? Ich erinnere mich gut, wie ich noch in den achtziger Jahren von meinem Kunstprofessor vor versammelter Mannschaft getadelt wurde, weil ich – igitt! – ein Foto durchgepaust hatte.

Brigitte Franzen Spätestens die Impressionisten haben Fotovorlagen ganz offen genutzt, das hätte ihr Professor eigentlich wissen müssen (lacht). In der Kunst ist es ja grundsätzlich so, dass sobald eine neue Technik verfügbar ist, diese auch EIngang in die Kunst findet. Es waren aber die Fotorealisten, die Fotos nicht nur als Hilfsmittel anwandten, sondern den spezifischen Blick einer Kamera explizit in ihrer Kunst thematisiert haben.
Der dadurch entstehende Diskurs über Wirklichkeit, ist einer, der immer schon grundsätzlich der Kunst eingeschrieben ist.
Anfang der siebziger Jahre, nach dem abstrakten Expressionismus, der Konzeptkunst und Minimal war man an einem Punkt, wo langsam klar wurde, dass die Idee der Avantgarde an ihr Ende gekommen ist. Abstrakter als Malewitsch oder Jackson Pollock ging es nicht mehr. Damit war eigentlich alles durchdekliniert, was ungegenständlich möglich war. Daher die Hinwendung der Künstler zur aus dem Vollen schöpfenden Darstellung medialen Bildwelten. Die ungebrochene, scheinbar naive gegenständliche Darstellung der Fotorealisten galt in der klassischen Avantgarde eigentlich als absolutes No-Go. Im Fotorealismus wurde daraus ein elaborierter Diskurs darüber, was Wirklichkeit eigentlich ist, wie real Realität sozusagen sein kann,

Hat denn Magittes jahrzehnte älteres Bild „Dies ist keine Pfeife“ (Ceci n’est pas une pipe) nicht schon alles über die Beziehung von Abbild und Wirklichkeit gesagt?

Anna Sophia Schulz Magrittes Pfeife ist eine abstrakte philosophische Betrachtung von Realität. Was dagegen bei den Fotorealisten ganz zentral wird, ist das Hier und Jetzt. Die jetzige, sehr amerikanische Realität mit dem flüchtigen Schein penibel dargestellter Oberflächen.

Vielleicht hat ja Magritte die Idee einer Pfeife gemalt, während z.B. Ralph Goings einen sehr konkreten, ganz im Hier und Jetzt befindlichen VW-Käfer darstellt?

Brigitte Franzen Ja. Die Fotorealisten führen in erster Linie einen Diskurs über Malerei und weniger über die Beziehung von ideeller zu konkreter Welt. Ganz bewusst produzieren sie ein sehr sinnliches bis opulentes L’art pour l’art.
Das führt dann auf direktem Weg zu dem nächsten Missverständnis, dass man sie als Maler von leckeren Bildern stilisiert – was zum Teil ja sogar stimmt aber eben nur zum Teil. Die Rezeption der Fotorealisten als handwerklich versierte Dekorationsartisten geht u.a. auf die tonangebende Galerie des Fotorealismus zurück, die New Yorker Galerie Louis K. Meisel. Diese betont bis heute die virtuose Technikbeherrschung ihrer Künstler. Aber deren L’art-pour-l’art-Begriff ist eben wesentlich raffinierter und elaborierter. Das geht von dem sich im Laufe der Jahre immer mehr politisierenden Malcolm Morley bis zu den konsumkritisch intendierten Autowracks von John Salt.
Anna Sophia Schulz Mit seinen monumentalen Formaten und dem Freistellen des Einzelbildes aus dem Strom der damals wie heute omnipräsenten Werbe- und Medienbilder lenkt der Fotorealismus einen sehr präzisen Fokus auf die Flut dieser Bilder, die damals das Bild der Städte und die Wahrnehmungsmuster der Menschen geprägt haben. Der Fotorealismus führt einem präzise vor Augen, wie diese Bilder, die man eigentlich schon absorbiert hat, die einen beeinflussen und bestimmen, eigentlich funktionieren.

Wie ist es in der Gegenwart? Gibt es heute noch Fotorealismus? Hatte er irgendwelche wirkungsgeschichtlichen Effekte auf die folgenden Generationen?

Brigitte Franzen Wir zeigen in der Ausstellung ja Jeff Wall und Thomas Demand. Wall kehrt ja mit seinen großen Fotoleuchtkästen das Prinzip des Fotorealismus quasi um – seine Fotos sehen aus wie fotorealistische Gemälde. Das virtuose Spiel Thomas Demands mit Abbild und Wirklichkeit, dessen scheinbar hyper reale Motive in der „Wirklichkeit ja gar nicht existieren, ist gewiss auch von den Fotorealisten beeinflusst. Ja es gibt heute noch Fotorealismus. Die Künstler arbeiten zum Teil ja immer noch. Einige haben sich sehr weit weg von ihren Ursprüngen entwickelt, wie Chuck Close. Andere arbeiten immer noch wie seinerzeit um 1970. In China gibt es heute viele Künstler der jüngeren Generation, die Fotorealistisch arbeiten. Aber diese beziehen sich oft mehr auf ihre eigene Geschichte des Sozialistischen Realismus und weniger auf die Amerikaner oder Europäer, die wir hier in der Ausstellung haben.
Das Gespräch führte Gabor Baksay
Fotos: Burkhardt Maus