Ayhan Kaplan, lebt in Berlin und ist ein türkischer Staatsbürger der seinen Lebensunterhalt durch Boxen und als Bodyguard verdient. Für Ayhan und seinen Trainer Cemal laufen die Dinge nicht so, wie sie sein sollten. Beide erwarten nun vom Leben ein Wunder.

TR 2012 / R: Hakan Algü / D: Ata Demirer, Tarik Ünlüoglu

Tägl. 17.15 Do.-Sa. auch 23.00 Eden

Michael “Bully” Herbig im neuen Film von Dieter Wedl (“Kir Royal”). Ob die beiden sich verZettelt haben, konnte bis zum Start nicht in Erfahrung gebracht haben. Der Trailer verspricht allerdings eher gediegenen Humor.

D 2012 / R: Dieter Wedel / D: Michael Bully Herbig, Ulrich Tukur

Tägl. 17.15 u. 19.45 Do.-Sa. auch 23.00; So. auch 14.45 Cineplex

Tägl. 17.15 u. 20.00; Do.-Sa. auch 22.45 Sa. u. So. auch 15.00 Cinetower

Die Geschichte des Ex-Baseballprofis und Managers Billy Beane, der mit seiner radikalen Taktik den gesamten Sport umkrempelte geht weit über das Sportliche hinaus. Bennett Miller erzählt auch von einem Mann, der die an ihn gestellten Erwartungen nicht erfüllen konnte und zeitlebens darunter litt. Brad Pitt verkörpert den Helden der Oakland A’s mit eindrucksvoller Präsenz und gleicht dabei mehr als je zuvor seinem großen Vorbild Robert Redford.

USA 2011 / R: Bennett Miller / D: Brad Pitt, Jonah Hill

Tägl. 16.45 u. 19.45 Do.-Sa. auch 22.45 Eden

Die dezent trashige Vampiraction-Reihe hat sich erstaunlich gut gehalten über die Jahre. Ähnlich wie die von Kate Beckinsale wie immer agil im engen Latex verkörperten Selene, die im vierten Teil ganz allein gegen den Genozid an ihrer Rasse kämpft. Herrlich hirnlos und höchst unterhaltsam.

USA 2011 / R: Måns Mårlind, Björn Stein / D: Kate Beckinsale, Stephen Rea

Tägl. 17.30 u. 20.15 Mi. keine 20.15-Uhr-Vorstellung Do.-Sa. auch 22.45 (3D) Cineplex

Tägl. 17.30 u. 20.15; Do.-Sa. auch 22.45 (3D) Cinetower

Millionen von Lesern verschlingen weltweit die Spionageromane von John Le Carré. Die Mischung aus spannender Fiktion und authentischem Insiderwissen lieferte in der Phantasie der Käufer das Drehbuch für den Kalten Krieg. Das Herzstück seines Schaffens ist die Figur des Smiley, der 1961 erstmals in dem Roman „Schatten von Gestern“ in Erscheinung trat. Das 1974 erschiene Buch „Dame, König, As, Spion“ ist der sechste der achtteiligen Reihe. Zur Hochzeit der Geheimdienstaktivitäten von KGB, MI6 und CIA spielt Le Carré darin meisterhaft mit Argwohn und Ängsten seiner Leser.

In den Mittelpunkt der Handlung stellt er einen Schatten, einen stillen Beobachter, durch dessen Augen wir die Handlung erleben. George Smiley ist eine perfekte Projektionsfläche für die Phantasie des Lesers. Der gealterte Agent ist der Vertraute des MI6-Chefs „Control“ (John Hurt). Als jedoch ein Einsatz in Budapest schief läuft und Unbeteiligte ums Leben kommen, muss der Kopf seinen Hut nehmen und nimmt seine rechte Hand mit in den Ruhestand.

Im „Circus“, dem Hauptquartier der Organisation hat eine neue Garde unter der Leitung des intriganten Percy Alleline (Toby Jones) die Führung übernommen. Smiley zieht sich in seine leere Wohnung zurück, in der ihn seine Frau vor einiger Zeit zurückgelassen hatte, und starrt die Wand an. Auch „Control“ verkraftet die Entmachtung nicht und stirbt kurz darauf. Zurück lässt er ein Schachspiel, dessen Figuren die Protagonisten der Führungsetage darstellen. „Control“ war auf der Spur eines Maulwurfs in den obersten Reihen.

Smiley tritt sein Vermächtnis an und macht sich gemeinsam mit dem jungen Agenten Guillam (Benedict Cumberbatch) auf die Jagd. Dabei sind alle Verdächtigen langjährige Vertraute: der aalglatte Bill Haydon (Colin Firth), der altgediente Roy Bland (Ciarán Hinds), der verlässliche Bürokrat Toby Esterhase (David Dencik) und er selbst geraten ins Fadenkreuz. Die Antwort liegt in Budapest.

Eine beachtliche Riege britischer Schauspielgrößen gibt sich die Ehre in diesem Politthriller, der nicht nur in seiner detailgetreuen Ausstattung angenehm altmodisch wirkt. Das langsame Erzähltempo steht in krassem Gegensatz zur bleihaltigen Agentenaction des Gegenwartskinos. Hier sind noch schauspielerische Qualitäten gefragt. Hier retten keine schnellen Schnitte ein mit Logiklöchern durchsetztes Drehbuch. In all diesen Disziplinen besteht das englischsprachige Debüt des Schweden Tomas Alfredson, dessen Vampirdrama „So finster die Nacht“ vor zwei Jahren für Begeisterungsstürme sorgte, meisterhaft.

Grimmig seziert der Plot die politische Dimension der Ereignisse. Hoch spannend zieht sich das Geflecht Zug um Zug immer enger zusammen, tragisch und berührend die menschlichen Seite eines seelenlosen Geschäfts, in dem über Leichen gegangen wird. Dazu spielt der Spanier Alberto Iglesias, dessen Klänge schon zahlreiche Filme seines Landsmannes Pedro Almodóvar veredelten.

Bereits 1979 adaptierte die BBC den Roman in einer siebenteiligen Fernsehserie. Alec Guinness gab damals eine grandiose Vorstellung als Smiley. Gary Oldman steht ihm dreißig Jahre später in nichts nach. Hinter den Augen, die sich unter den Falten und der dicken Brille verbergen, brodelt es. Le Carré selbst hat sich für die Kinoadaption des Stoffes eingesetzt und fungierte als ausführender Produzent. Wer genau hinsieht entdeckt ihn sogar in einer Szene des Films. Was für ein gelungenes Vermächtnis und was für ein Glücksfall für Freunde des anspruchsvollen Kinos.

GB/F/D 2011 / R: Tomas Alfredson / D: Gary Oldman, John Hurt

Tägl. 17.15 + 19.45 Apollo

Tägl. 15.00 17.15 u. 20.00; So. auch 12.45 Do.-Sa. auch 23.00 Cineplex

In Großbritannien erfreuen sich die „Inbetweeners“ enormer Popularität. Zwei Staffeln lang versetzte ihr Schöpfer Ben Palmer die vier Teenager zwischen Hormontrieb und Freundschaft in allerlei abstruse Situationen zum Fremdschämen. Abseits der schlüpfrigen Witze lebt die Serie vor allem von ihren iebenswerten Figuren.

Die sind nun ebenso im ersten Kinofilm, der den platten deutschen Titel „Sex on the Beach“ erhalten hat, die größte Stärke. Auch sonst bleibt das Team bei Altbewährtem: die Jungs haben ihren Schulabschluss in der Tasche und das soll gefeiert werden. Am besten mehrer Tage am Stück mit reichlich Alk und schönen Frauen. Also ab in den Flieger nach Kreta und rein ins Getümmel. Wie gewohnt ist hier aber nicht annähernd alles so, wie die Vier es sich in ihren wilden Träumen vorstellen.

Wer die Serie, die bei uns nie ausgestrahlt wurde, aus dem britischen TV kennt, ist klar im Vorteil und freut sich auf ein Wiedersehen mit Simon, der immer noch seiner Flamme Carli hinterher rennt, dem liebenswert Unterbelichteten Neil, dem Großmaul Jay und natürlich Will, der stets alle in Grund und Boden quatscht. Alle, die mit den Figuren nicht vertraut sind, erwartet zumindest eine angenehm abseitige Sommerkomödie, jenseits der platten Witzchen US-amerikanischer Prägung. Ob die erfolgreichste britische Komödie seit 10 Jahren bei uns ähnlich einschlagen wird, bleibt abzuwarten – wäre aber durchaus wünschenswert.

GB 2011 / R: Ben Palmer / D: Simon Bird, James Buckley

Tägl. 17.00 u. 19.45 Do.-Sa. auch 22.45 Cineplex

Tägl. 20.15 (außer Mi.); Do.-Sa. auch 22.45 Mi. 19.45 Cinetower

Spielt alles an die Wand, was sich bewegt: Nadine Kiesewalter als Ira

Der Zorn Gottes ist ca. 20 Jahre alt, heißt Ira (lateinisch: Zorn), wohnt noch bei Mama in einem Plattenbau, den sie zärtlich „Hassbeton“ zu nennen beliebt. Ihren galoppierenden Furor ergießt sie, weil sie nicht so genau weiß, wogegen er sich eigentlich richtet, über alles und jedes. Dabei benötigt sie maximal drei Sätze, um sich mindestens dreihundert mal zu widersprechen. Auch die schillernden Wandlungsphasen ihres im Pendelflug befindlichen Selbst changieren in beängstigendem Tempo: Von Schauspielerin, Okö-Aktivistin und Comedy-Tuse über existenzialistisch angehauchter Lyrikerin, geht es zuletzt – oh Graus! – zu Hausfrau und Mutter mit dickedummen Stammhalter! Aber Moment, war dieses Ende am Ende vielleicht nur ein fataler Error? War Iras Existenzversion 3.5 vielleicht gar nicht die „wirkliche“? Im Schnelldurchlauf liefert sie noch ein alternatives Ende ab: Den romantischen Bühnentod an „einer Überdosis Aufregung“.
Wie man sieht, ist „Realität“ nicht Iras Stärke. Stattdessen ist sie gefangen im globalen ReinRaus-Spiel ihrer Generation: Rein in die Cyberchose, raus ins Realitätsdebakel. Dass man davon ganz Meschugge wird, überspielt sie lässig mit der urbanen Coolness einer alles-sowieso-
peilenden MacBook-Dompteuse. Die akute Kurzschlussgefahr in den Echokammern ihres Kommunikationsflusses wird mit inflationär eingestreuten „Ey“s, „Nee“s, „Ne“s geerdet – also dem
obligatorischen Sprachmodus, einer von der Rasanz ihrer Gescheitheit hyperventillierenden Typo3-Aktivistin.
Als Theaterrezensent hat man sich um leidenschaftslose Objektivität zu bemühen. Trotz eisener Willensanspannung war es aber unabwendbar, dem enervierenden Liebreiz dieser grandiosen
Zicke rettungslos zu verfallen. Fieberhaft stellte sich die Frage, wo denn jetzt mitten in der Nacht fünfzig rote Rosen zu bekommen wären oder besser noch, wo in diesem gottverlassenen Jakobsviertel noch ein Standesamt geöffnet hat, um dieses zauberische Wesen stante pede zu ehelichen.
So atemberaubend wie die Rolle, ist auch die Schauspielerin. Nadine Kiesewalter spielt bravourös alles an die Wand was sich bewegte. Die ebenfalls beachtlich agierenden Mitakteure nehmen dies lächelnd zur Kenntnis und machen galant den Weg frei für die furiose Achterbahnfahrt der
Kollegin Kiesewalter. Bei Naturgewalten wie diesen pfeilschnellen Doppelpässen zwischen Figur zu Darstellerin hilft nun mal nur Suizid, Heirat oder bedingungslose Kapitulation.
Nun ja, worum es in dem Stück denn nun eigentlich geht? Also, der Autor Martin Heckmanns variiert sein philosophisches… ach was! Es geht um Ira. Es geht um Kiesewalter. Okay?! Wer politisch korrekte Theaterrezensionen will, soll TV-Spielfilm lesen. Gabor Baksay

Theater Aachen – Mörgens
Stück von Martin Heckmanns | Inszenierung Roland Hüve † Bühne Davy van Gerven
Termine im Februar: 04. | 09. | 22. 2., jeweils 20:00 Uhr

Ensemble zum knutschen: Karsten Meyer/Cléante, Robert Seiler/Damis, Joey Zimmermann/Madame Pernelle, Bettina Scheuritzel/Orgon, Julia Brettschneider/Elmire, Emilia Rosa de Fries/Mariane, Felix Strüven/Dorine

Tartuffe ist Theaterkunst im Aggregatzustand höchster Raffinesse. Diese, wie aus dem Ärmel geschüttelte Leichtigkeit beherrscht außer Shakespeare nur Molière. Dessen messerscharfer Blick auf die blamablen Zustände im Frankreich des 17. Jahrhunderts ist nicht nur eine grandios angezettelte Anstiftung zur Selbsterkenntnis, sondern vor allem – auch und gerade in dieser quicklebendigen Inszenierung – sehr, sehr lustig.

Ein dümmeres und verkommeneres Pack als die herrschende Klasse im Frankreich des 17. Jahrhunderts, hat die Welt vorher und nachher nicht gesehen. Die Dekadenz entlud sich bis zur Demenz und wurde nur von einer anderen Bevölkerungsgruppe des Ancien Régime erreicht: dem Klerus. Dieser war zwar ebenso verkommen, aber in der Regel nicht ganz so dumm wie die herrschende Aristokratie. Ein Vorteil, den professionelle Heuchler wie Molières Titelheld Tartuffe, geschickt zu nutzen wussten, um für sich ein Maximum an Profit herauszuholen.
Man ahnt bereits, unter kompetenten, fürsorglichen Händen ließe sich aus dieser Konstellation erstklassiger Stoff zum Totlachen modellieren.

Jean-Baptiste Poquelin alias Molière besaß diese Kompetenz und modellierte mit dem Scharfsinn Voltaires und der Volksnähe Rousseaus eines der komischsten und berühmtesten Dramen der Neuzeit. Es empfahl sich allerdings, dabei Vorsicht walten zu lassen. Denn die real existierenden Tartuffes würden ihre öffentliche Demaskierung nicht amüsiert zur Kenntnis nehmen; mussten also ein wenig verklausuliert in die Pfanne gehauen werden. (In der Tat forderte der Theologe Pierre Roullé nach der Premiere allen Ernstes Molièrs Verbrennung.) Deshalb ist Tartuffe den allerniedrigsten Rängen der klerikalen Hackordnung zugeordnet. Tatsächlich bleibt im Dunkeln, ob er überhaupt ein ordinierter Priester ist, oder nur ein ruchloser Hochstapler. Auch war Molière umsichtig genug, Tartuffes Opfer, den vor Dummheit implodierenden Orgon, nicht als Aristokraten zu besetzen, sondern als Mitglied des, zwar zu Geld gekommenen, aber damals politisch noch machtlosen Großbürgertums. Aus gutem Grund beinhaltet Tartuffe, eine lange, umständliche Hymne an den König, von alleruntertänigsten Langweiligkeit, die heutzutage aber meistens gestrichen wird.

Philipp Manuel Rothkopf spielt Tartuffe mit falschem Schlangenlächeln wie einen Stasibeamten, dem zwar das Charisma des gesellschaftlich glanzvollen Emporkömmlings fehlt, der dafür aber über einen von lebenslanger Mißgunst genährten Vorrat an hinterfotziger Gemeinheit verfügt. Sein Opfer, der reiche Bürger Orgon, den er durch Hinterlist nicht nur um Haus und Hof, sondern auch um die schöne Gemahlin zu bringen versucht, ist, wie viele andere Partien in diesem Stück auch, eine absolute Paraderolle. Was Bettina Scheuritzel (in einer Hosenrolle) aus diesem vor Dummheit aus allen Nähten platzenden Jahrhunderttrottel macht, ist nicht nur unbedingt sehenswert, sondern atemberaubend. Ihre Interpretation von Orgons verblendetem Verbohrtsein und dessen felsenfestem Vertrauen in die Lauterkeit der Schlange Tartuffe ist so liebenswert unschuldig und so kindlich rein dargestellt, dass man versucht ist, ihr vor lauter Aufregung wie im Kasperletheater zuzurufen: „Vorsicht, hinter dir: Tartuffe!!!“

Eine ähnlich gelungener Fall ist die Darstellung der Figur, der ohne Zweifel Molières größte Sympathie gehört: Das bis an die Zähne mit Sarkasmus und Esprit bewaffnete Dienstmädchen Dorine. Obwohl alle Beteiligten, bis auf den Herrn des Hauses, die Heimtücke Tartuffes mühelos durchschauen, durchschaut Dorine ihn am witzigsten. Im Kampf um diese glanzvolle Rolle soll es hinter den Theaterkulissen der Welt schon Tote gegeben haben. In Aachen siegreich blieb Felix Strüven, der Dorine mit verrucht tiefergelegter Reibeisenstimme und militärisch präzisem Hüftschwung eine Extraportion extraordinärer Rotlichterotik verpasst. Aufmerksame Leser haben vermutlich schon bemerkt, dass es diese Inszenierung mit der korrekten Geschlechterzuordnung nicht wirklich genau nimmt. Ich darf gestehen, dass ich mindestens 15 Minuten lang auf dieses Spiel hereingefallen bin – Deppen gab es schließlich nicht nur im 17. Jahrhundert – und diese mir unbekannte Ensembledame mit ihrem Racke-Rauchzart-Timbre durchaus attraktiv fand. Erst angesichts des dauererigierten Oberschenkels, den Herr Strüven mit Fleiß und Standhaftigkeit aufrecht zu erhalten verstand, wurde auch mir endlich klar. „Das ist ja ein Kerl!“

Emilia Rosa de Fries als larifari lispelnde Zuckerpuppe des Hauses, Mariane, dokumentiert mit beeindruckender Körperbeherrschung, wes Geistes Kind sie ist. Während sich bei Orgon das Ausmaß der Idiotie auf die Schrumpfung seines Großhirns auf ca. Walnussgröße beschränkt, scheint im Fall seiner Tochter zusätzlich noch das für die Muskelkoordination zuständige Stammhirn betroffen zu sein. Dessen Zusammenbrüche gestaltet Frau de Fries mittels artistischer Glanzleistungen (fallen Sie mal wie ein Sack Mehl vom Tisch) zum Running Gag des Abends.

Es ließen sich noch zahlreiche andere Höchstleistungen dieses Ensembles bejubeln, wir müssen aber endlich zu den umunschränkten Heroinen des Abends kommen: dem Geschwisterpaar Christina und Franziska Rast.
Christinas Regiearbeit ist blitzschnell, derb und begiebt sich, mit ausgewählt schmutzigen Theatertricks, von verschleppten Reimen und genüsslich über das erwartete Zeitmaß ausgespielten Witzen, oft genug an den Rand der Geschmacklosigkeit. Da diese Manierismen aber mehr oder weniger vollständig dem Fundus der Commedia dell‘arte entnommen sind und Frau Rast deren komisches Repertoire aus dem Effeff beherrscht, ist auch die plakativste Komik über allen Zweifel erhaben. Der Seiltanz zwischen Millowitsch-Theater und Hochkultur gelingt ihr genussreich, trickreich, souverän. Immer stimmt die Dosierung exakt: Ein Tick mehr und es wäre nicht mehr komisch, sondern platt gewesen.

Die Bühne und Kostüme von Franziska Rast stehen der Inszenierungskunst ihrer Schwester in keiner Weise nach. Die Ausstattung ist, genau wie die Regie, ebenfalls an den Grenzbereichen von Karikatur und Wahrheit genau dort angesiedelt, wo es konzeptuell interessant wird. Spielerisch, wie selbstverständlich, entfaltet sich eine Welt schriller Schönheit und punktgenauer Personencharakterisierung.

Die Schwestern auf der Premierenfeier zu sehen wie sie Hand in Hand verlegen aufgekratzt mit Schulmädchenkichern die Huldigungen des Intendanten entgegennahmen, war ein Bild für die Götter. Augenreibend begann man zu phantasieren, ob sie nicht ebenfalls eine Erfindung Molières sein könnten, diese zwei innig verbundenen Theaterdäumelinchen mit dem herzerwärmenden Pippi-Langstrumpf-Lächeln. Dieses Stück würde ich nur allzu liebend gern sehen.
Gabor Baksay
Fotos: Carl Brunn

Theater Aachen – Bühne
Inszenierung Christina Rast | Ausstattung Franziska Rast
Die nächsten Termine: 28.1. | 04.2. | 22.2. | 24.2. | 26. 2., jeweils 19:30 Uhr
jeweils 19:30 Uhr

Das kontemporäre Kino ist vor allem Spektakel: Computereffekte steigern die Realität, die 3D-Technik sorgt für den passenden Budenzauber und der Rest ist Lärm und Remmidemmi. In diesen unseren Zeiten mit einem Stummfilm daher zu kommen grenzt fast an kommerziellen Suizid. Es gehört schon großer Mut, uneingeschränkte Liebe zum Medium und eine gehörige Portion Irrsinn dazu, ein Werk zu schaffen, das auf all diese Attribute verzichtet.

Michel Hazanavicius ist so ein Wahnsinniger. Wieder einmal ist es ein Franzose, der das Kino rettet. Als er vor einigen Jahren mit der Idee ankam, einen Film zu drehen, der komplett auf die gängigen Elemente des Unterhaltungskinos verzichtet, kassierte er Lacher und ungläubiges Kopfschütteln. Mit den beiden „OSS 117“-Filmen bewies er dann, dass eine tiefe Verneigung vor der Geschichte des Mediums auch kommerziell funktionieren kann. Die charmanten Bond-Parodien legten zudem den Grundstein für die künstlerische Zusammenarbeit mit Jean Dujardin. Der begann als Stand-Up Comdian, bevor er sich als wandlungsfähiger Schauspieler mit der Hauptrolle in der Bestselleradaption „39,90“ etablierte.

Seine visuelle Komik ist wie geschaffen für Hazanavicius’ Vorhaben. „The Artist“ verzichtet komplett auf gesprochene Dialoge und erzählt seine große Liebesgeschichte ausschließlich mit Gestik und Mimik. Zur Seite steht Dujardin seine Partnerin „OSS 117“, Bérénice Bejo. Gemeinsam bilden sie das schönste Leinwandpaar, das die Lichtspielhäuser seit langer Zeit zum Leben erweckt haben.

Der schillernde Protagonist des Films ist George Valentin (Dujardin). Er ist der gefeierte Star der Stummfilmära. Eine Spur zu selbstherrlich und eitel in den Augen seines Produzenten (John Goodman), aber voll unwiderstehlichem Charme. Auch die aufstrebende Schauspielerin Peppy Miller (Bejo) kann sich dem nicht entziehen. Für einen Moment vergisst Valentin seine unglückliche Ehe und fühlt sich geschmeichelt von Peppys Bewunderung.

Alles verläuft nach Drehbuch, doch dann bricht der Tonfilm herein und damit das Ende von Valentins Karriere. Nicht Willens, sich dem Fortschritt zu unterwerfen versinkt er in Vergessenheit, während Peppy zum Star des neuen Hollywood aufsteigt.

Mit allen Mitteln des Kinos erzählt „The Artist“ eine bewegende Geschichte, des Verblassens einer Epoche und vom Niedergang der strahlenden Helden der Zwanziger, angelehnt an Ikonen wie John Barrymoore, Greta Garbo oder dem namensgebenden Rudolph Valentino. Eine außergewöhnliche Hommage an die Kindheitstage des Films, als das Kino von Murnau und Lang noch ganz Gefühl war. Komik, Leidenschaft und Tragik liegen ganz dicht beieinander und machen aus „The Artist“ richtig großes Kino. Trotz oder gerade wegen des Verzichts auf die Form des zeitgenössischen Films.

Untermalt wird dieses zelluloidgewordene Kunstwerk von Ludovic Bources mitreißendem Score. Der Wegbegleiter des Filmemachers erhielt hierfür jüngst den Golden Globe. Auch Dujardin war unter den insgesamt neun Nominierungen für den Film und sein Lächeln erschien noch strahlender, als er den Preis in den Händen hielt. Drücken wir dem Film die Oscardaumen und ein ähnliches überwältigendes Publikumsinteresse hierzulande wie in Frankreich, wo die Ode an unsere liebste Kunst zum Hit avancierte.

F 2011 / R: Michel Hazanavicius / D: Jean Dujardin, Bérénice Bejo

Tägl. 16.00 + 20.30 Apollo

DriveUSA 2011 / R: Nicolas Winding Refn / D: Ryan Gosling, Carey Mulligan
Der Mann kann fahren: Driver (Ryan Gosling) ist ein Gott am Lenkrad. Wenn der Stuntman in belanglosen Actionsequenzen Autos zum Überschlagen bringt oder nachts den Fluchtwagen für Kleinkriminelle durch das Labyrinth der Straßen von Los Angeles steuert, gibt es keinen Zweiten, der kann, was er kann. Bei Tageslicht ist er ein Buch mit sieben Siegeln – verschlossen, zurückhaltend, undurchdringlich. Seine Vergangenheit liegt im Dunkeln, seine Gegenwart verbringt er in der Werkstatt von Shannon (Bryan Cranston). Der erkennt das Potential des Jungen und sein gutes Herz. Er will ihn als Rennfahrer groß rausbringen, seine Geldgeber sind jedoch windige Gangster.Dann ist da noch Irene (Carey Mulligan), die gleich nebenan wohnt und Driver verstohlene Blicke zuwirft, wenn sie sich im Aufzug begegnen. Sie fühlt sich ebenso zu ihm hingezogen wie ihr Sohn Benicio, um den sich Driver liebevoll kümmert. Als ihr Mann Standard (Oscar Isaac) aus dem Knast kommt, muss Driver seine Strategie ändern. Um Standard aus dem Dreck zu ziehen, lässt er sich auf einen gefährlichen Deal ein, der außer Kontrolle gerät.Die Ruhe mit der Gosling den Einzelgänger verkörpert und die plötzliche Eruption brutaler Gewalt wirken in seiner schauspielerischen Wucht eindringlich. Sein Alter Ego erinnert ein wenig an Travis Bickle, den „Taxi Driver“, einem in die Ecke gedrängten, getrieben zum Unausweichlichen. Allerdings ist der Schauplatz hier die Autostadt L.A., fernab des Glitters der Scheinwerfer. Es erinnert an die nächtlichen Straßen die Michael Mann („Collateral“) in Szene setzte. Gepaart mit einem einzigartige Stil, der mit den in rosa getünchten Lettern im Vorspann beginnt und sich mit der Synthesizer-Musik und den kunstvollen Slow-Motions formt, schuf Regisseur Nicolas Winding Refn einen blutigen Liebesthriller, ein außergewöhnliches Meisterwerk.